时尚插画作为元老级视觉传达媒介,在新时代不仅没有停止发展,更衍生出了许多风格迥异的新表达形式。当下最红、最引人瞩目的时尚插画师及其作品,你知道几个?
早期,时尚插画与时尚杂志的倾力合作促成其进入过一个全盛时期。那时的杂志从封面到内页几乎无一例外地需要使用插画做配图。那时的读者是从一幅幅精美的插画中接收时尚、艺术、品位等信息的。可以说,那时的时尚杂志与时尚插画是互相成就的关系。
到了数码时代,摄影作品已成为杂志刊物的主要视觉传播源。虽然以时尚插画为主要宣传媒介的杂志时代已终结,但时尚插画行业并未因此沉睡,而是朝着新方向不断发展、进化着。
时尚插画与时尚品牌合作,便是当下发掘出的最成功的新道路。Gucci作为时下最具话题性的品牌,经常在社交媒体里搜寻一些当红插画师进行合作。
以下这些充满色彩、富有诗意的作品都是插画师HelenDownie创作的。值得一提的是,这位极具专业水准的插画师其实是一位非科班出身的主妇,她的传奇经历与她的画作同时走红网络。再加上她的作画风格与Gucci推崇的新美学理念出奇相似,让品牌创意总监一眼就相中了她的作品并展开了一系列的深度合作。
虽然已是一位母亲,但是她天马行空的作品中总是流露出些许少女的纯真感。尤其是画作人物中那一双双天真的大眼睛,奇特又充满童趣。
然而,这并不是Gucci第一次与时尚插画师合作了。早前,此品牌还曾邀请另一位插画师AlexMerry展开过一次更“艺术式”的合作。
从纽约到伦敦、米兰到上海,凡是有艺术墙的城市几乎一夜间被Alex这些创意十足的时尚插画作品所占据。这样巨型时尚插画作品如此呈现,实属罕见,所以当艺术墙面的图片一发布,立刻就引起了网络上的一阵骚动。
除此之外,Gucci还将插画作品中的产品制作出来售卖,让所有为之心动的消费者都能找到并拥有这些产品。他们将这些梦幻般的理想产物变为了现实。另一方面,观者从这些浪漫主义风格的时尚插画作品可以看出,时尚插画的风格早已不再单一。
说起时尚插画与品牌的跨界合作,那就不得不提Prada。在2018年男装春夏系列大秀上,品牌就邀请了插画师JamesJean进行二度合作,可见他作品的受瞩目程度。
此次,JamesJean与比利时涂鸦艺术家OliverSchrauwen联手创作了秀场空间的插画作品。观秀者望着这些画面感十足的作品,就像在看一页页现场版妙趣横生的连环画。
与此同时,作者也为Prada专门制作了同样风格的插图版宣传视频。James这种酷劲十足的插画风格,与Prada未来感的时装风格相结合,显得相得益彰。
同年在Prada的女装秀上,品牌同样选择了与时尚插画师们联手。此次合作请来了八位女性插画师:StellarLeuna、TrinaRobbins、BrigidElva、JoelleJones、GiulianaMaldini、NatsumeOno、EmmaRíos和FionaStaples。
她们除了共同打造了秀场空间内的墙壁作品外,还将插画作品完美融入了新一季的时装系列。他们的漫画风格作品给时尚注入活力的同时,也增加了时尚插画作品走向风格化的可能性。
时至今日,时尚插画作品早已不再墨守成规,只要你愿意动笔,人人皆可创作出属于自己的插画作品。
除了与时尚品牌跨界合作外,还有一些职业时尚插画师坚持着进行独立创作。他们在掌握插画基本技法的同时,将时尚插画的绘画形式进行延展、探究,揣摩出了自成一派的风格。
先锋时尚插画师VelwynYossy就描绘出了一系列别具一格的作品。从他作品中人物流畅、利落的线条,与夸张却依然恰到好处的整体比例中可看出,他一直奉行着现代主义的美学理念。
而另一新星时尚插画师ErnestoArtillo则将时尚插画延展至更为抽象的方向。他独树一帜的视觉表现手法打破了大众对时尚插画表现形式的传统认知。
他近期一些超现实主义般的作品将动与静、虚与实的事物相结合,用手绘加拼贴的方式将插画的视觉冲击力无限放大,赋予了静态为主的时尚插画几分动势。
他的创意作品不仅仍然长期刊登在各大杂志上,而且还时常在世界各地展出。ErnestoArtillo说:“我希望看到自己的作品时感到既放松又激动。平时生活中也一样,我会寻找当中的平衡,也会找寻怎么可以打破现有的状态。”
纵使时尚插画的黄金时期已逝去,但不可否认的是,时尚插画依然在时尚领域占有一席之地,并同时饱含极高的艺术价值。
时尚插画是少数可以将商业与艺术做到完美结合的行业,而当下受到追捧的插画作品的不断涌现,更是增添了时尚插画继续前行的可能。
了解完这些最红、最引人注目的时尚插画作品,大家皆可提起笔去尝试发掘时尚插画新道路。下一个当红炸子鸡,也许就是你。
本教程介绍近期最为流行的潮流艺术插画设计方法。这类图片设计风格非常个性,制作的时候用一些喷溅及高光元素来装饰人物,来表现画面的动感和艺术感。再配上独特的色调,画面显得更有个性。教程中部分素材需要自己去网上下载。最终效果
一、对女孩的照片制作蒙版。点击圆圈中按钮,这样,你在照片层中会得到一个白色方块。然后,使用黑色的钢笔工具或画笔工具擦除背景。(请确认你是在白色方块,而不是在照片本身上进行操作。)
二、执行图像调整色相/饱和度,将中间的锚点拖向灰色区域,以使模特变为灰度。另一种更为简单的方法是按住CMD+SHIFT+U(PC机中的CTRL键通常与苹果机中CMD键用法一直)。创建新的空白层,并将其置于底部。对它执行图层新建填充涂层纯色。调节模特照片的尺寸大小。通过调整,我将照片略微缩小,以使它更适合作品。调整尺寸的快捷键为CMD+T。(在调整尺寸的状态下,你不妨偶尔尝试按住shift、ctrl或cmd键,这可以得到不同的效果。)
三、复制图层。执行图层复制图层(模特层),或者按CMD+J。然后执行图层创建剪切蒙版。现在,顶部图层应当有小箭头指向下面的图层。
四、对顶部图层作处理。执行图像调整阴影/高光。点击选框“显示更多选项”,然后修改阴影数量为100,调整中间调对比度为-100。然后再使用滤镜模糊高斯模糊,半径值约为3.0。然后将混合模式从正常改为变亮。不透明度的选框紧靠在混合模式旁,确保其值为70%。另外,在这个剪切蒙版图层中,用蒙版将脸部覆盖,使脸部不那么模糊。如果你的所有步骤都正确,那么它会看起来像下面这张图。
五、复制底部的模特图层,并将其置于顶部,然后将其设为剪切蒙版。然后,对顶部图层执行图像调整阴影/高光。参照下图参数,并且最后执行混合模式变亮。
六、复制顶部图层。这次只使用模特的右手,将其他部分遮蔽掉。然后执行图像调整曲线。如果调整后的样子没你想要的那么白,那么将混合模式改为变亮。复制这个右手的图层。同时选中两个右手图层,并通过执行图层合并图层将它们合并。将这个图层设为剪切蒙版。
七、将背景设为黑色。双击图层,选择颜色叠加,双击红色方块,并选取黑色。在另一个窗口打开你的喷溅图片,然后执行选择色彩范围。在得到你想要的选区之后,点击确定。在许多情况下,这选区选中的是你并不想要的东西,这时执行选择反向来修正它。现在,将喷溅图片拖入我们工作的窗口。通过执行CMD+SHIFT+U将图片转为灰度。重复第七步,让它变得更白。
八、使用蒙版来修正喷溅,以使其与模特的靴子相协调。另外,这个图层应当置于顶部,并且不要放在模特的剪切蒙版中。接着,按照自己的意愿,用飞溅笔刷在四周涂抹。在不同地方使用不同透明度,以便混合后达到好的光感。另外,也可以添加一些其他的特殊笔刷。要注意的是,这些操作都是在蒙版中进行的。记住:两个模特层应该始终处于顶端,而到现在为止,我们置入的其他东西应当放在底部。现在我们再来添加一些喷溅。置入一张新的喷溅图片,或者复制之前的那一张。
十、在背景层上方新建一个层,使用套索工具绘制一个三角形。当三角选区激活时,用笔刷在选区外涂抹,以达到这样的酷炫效果。
十一、再次返回白色背景层,在中间稍微添加些额外的灰色。双击图层,并设置下图参数。
十二、添加更多的飞溅,不过这次绘制在模特层后面,而不是蒙版当中。制作一些三角形和圆形。我在三角形上添加了紫色,为圆形图上了白色,并且降低了它们的不透明度。你也可以在形状工具的选项板里找到这些图形。用套索工具创建一条线条,让它存在于之前在背景中制作的那些线条中,然后将它向上略微移动。这样你就得到了一个额外的效果。在这个线条中,我使用了紫色,并将不透明度降低为5%。
十三、在作品中放入一些球,或者其他什么你喜欢的。我将自己的一些小东西放在Illustrator中,并用网格工具添加了一些效果。然后,我将它们粘贴到Photoshop中,并将其混合模式改为滤色。用画笔在这些东西后面绘制一些阴影,另外,你也可以用白色调和一下这些阴影。
十四、光效。我将向你演示如何制作那些光效。但是,这里也只是粗略带过,你需要自己稍加练习来掌握它。
十五、制作一些一闪一闪的星星,并且擦亮它们白色的部分,这样会让它们真的闪闪发光。最后,添加些简单的东西。
十六、仔细检查你的图像,寻找那些不自然的地方。目前看来,手有些奇怪。新建一个层,并将它放在模特的剪切蒙版中。使用白色笔刷来绘制手的边缘,让它看起来很甜美。接下来是最终成品!
时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。
接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。
时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。
在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。
十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。
这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。
时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。
法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。
高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。
到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。
二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。
法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的领军人物,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。
在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。
从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(F.X.Leyendecker)创作的艺术品。
第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。
1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。
摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。
随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。
Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”
迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。
到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。
1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。
安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。
在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。
介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。
摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。
这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。
最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。
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插画作品展示图-既熟悉又陌生的国外插画风格你知道哪些？
她,明眸善睐,笑颜如花绽,声如百灵鸟。性格温和,柔美文静,给人以如沐春风般的温暖;
英语专业,非美术科班生,零基础开始学习,凭借对画画的热爱和坚持,开启了插画之路。
她的插画作品色彩绚丽,吸睛夺目;饱满的色彩+形状和纹理,简单地组合成一张和谐美丽的画面;人物造型夸张有趣,有创意更有故事,表现出它们属于现代和时尚的一面,别具一格。
教学风格:自然亲切,朴实无华,润物细无声。将对插画知识的渴求和探索融于简朴,结合自身学习插画的经验,总结设计出了极具创新又高效的插画打卡活动《Sheena插画闯关打卡》。
对学员作业点评指导,认直细致、无微不至,投以最大的热情教学,她对绘画的热爱在潜移默化中影响着每一位学员。
4月份的创意分享干货满满,非常精彩,带给我们太多的惊喜与感动,最重要的是大开“眼界”。原来还可以这样画画,一个轮廓,两个词语,一只动物延展成一段故事;
创意思维:我的理解是学习别人的优秀作品。这里说的学习,并不是指模仿或者临摹,而是通过看—记—画的方式来进行学习。
首先是看,看就是仔细观察别人的优秀作品的特点。从版式构图开始,观察作品如何利用空间和元素来构成画面。
其次是节奏关系,即画面中的明暗对比,色彩冷暖对比,疏密大小对比。最后才是技法,即画出这张作品所运用的方法。
世间没有完全相同的两张画,同样,也没有完全相同的两个人。每个人都是独一无二不可替代的个体。即便大家画的都是同一个元素,在笔下呈现的状态也是截然不同的。
第一阶段:出一个轮廓,根据轮廓去画想象出的画面(9宫格)通过被限制的轮廓,画出自己想出来的元素;
尝试脱离原有的形状,把一些物件用被限制的轮廓去展现。通过这种方式,可以发现因为一些限制,可以画出比较有趣的人物形态。
尝试给自己定一些主题,每次通过这个形状去画出主题相关的(9宫格),也可以激发很多灵感。
第二阶段:完全不相关的关键词结合在一起,画一幅画。(9宫格)打破平时固有的想法,去画想不到的场景画面。
发散思维:春天-春游-户外放风筝-度过愉快的一天;通过发散思维联想到相关元素,提取+结合元素;
创作过程:在创作过程中找参考迸发灵感,在这些参考中想到,在钟里放风筝的女孩,风筝指向春天。后续采用夸张的形式,将头发和风筝连成线。
通过关键词制作思维导图,写出所有能想到的元素,再从中提取+结合元素;
创作过程:通过发散思维将人头变成钥匙,锁周边的那些黑色线条,代表着浮浮沉沉的海浪,在茫茫“锁海”中,奋力的寻找属于自己的那把锁。
绘本是表达一种情绪和传递一种思想,又是在告诉人们一些道理,因此我在进行绘本创作的时候考虑的是绘本的故事性和情绪表达。
“我的故事”是一个梦境,表达内心的渴望,处于快节奏都市的人们,由于工作的压力和忙碌的生活,会导致偶尔的负面情绪,有时候会心情低落变得浮澡不安,除工作之外,属于自己的时间与空间太少。
我想要有更多的时间来画画,想去感受大自然的宁静和美好,以梦境的形式来去表达我的心境,故事的主题《我和梅花鹿》。(很喜欢梅花鹿,梅花鹿也是我的幸运“萌宠”。)
创意灵感本:随时随地记录。身边发生的事,做的梦,突发奇想,感兴趣的点,来自博物馆、梦、书、电影、诗,温暖的句子中获得的一些启发,这些都可以成为之后创作的灵感源泉。
图片库:不定期搜集喜欢的图片,摄影作品,精美插画。插画创作素材库可以具体分类,例如:色彩、笔触、造型、场景、装饰等等,在之后的创作中,可以尝试用这些积累的想要尝试的色彩和笔触去开始新的创作。
释开达:有关《插画创作必备的创造力储存法》的一段视频,其中关于书架和置物架的解析,特别有帮助。
书架里有内容和手法:内容里记录自己的日记、读书笔记、搜集的文章;手法里搜集色彩、笔触、造型、场景、装饰自己感兴趣的想要尝试的方法。
置物架:1、要画什么内容?2、尝试什么手法?开始创作的时候,可以采用这种方式。
练习有以下三种方法:视觉日志:创作方法特别受用,我们可以通过做视觉日志来积累素材学习创意。(微博@Hi吹吹)
写实/临摹照片:无意识的随机试验,用画面讲故事;复刻作品,拼贴等等一些好玩的方法,记录和学习。
下面这几条是在《想象力·构图与创作思维》中提取的非常实用的创意练习方法,其中三条也是我们这次练习的,非常实用。
1.看到某一个对象后,联想到另一个对象,依次接力。(提升想象力,同一个对象,9天之后大家最终的结果会有千差万别)
2.完全不相关的事物结合在一起,画一幅画。(打破平时故有的想法,去画想不到的场景画面)
3.两个不同的人物,结合在一起画人像。(尝试各种有趣的人像)
4.通过一张照片——拓展出不同的变体,画自己内心的感受。(尝试练习画自己的感受,而不是画面本身)
5.出一个动物,各自画出自己心中的动物样子。(提供文字,大家各自画出自己想象中的动物的样子)
6.尝试用不同的绘画材料,去尝试画一个动物(牛,蛇,蜘蛛,鹅,鱼等)。(把自己家里现有的画具,都翻出来用一用,找出更多可能性)
7.针对一个对象:具体—抽象(使用不同的绘画材料,区分风格差异)。(学习具体事物的概括能力,每天概括一点,越画越简单)
8.出一个轮廓,根据轮廓去画想象出的画面(通过被限制的轮廓,画出自己想出来的元素)
9.用一个有趣的小物,来编一组故事。(出一个物件,例如鱼,每天围绕着鱼,展开属于自己的故事)
10.画同一个元素。大家分别听着不同的自己喜欢的音乐,把不同音乐当中的感受,融合这个元素画出来～(画音乐当中,自己的感受,学习更抽象的表现)
另外一种创意练习方法是速写,我们可以在平时速写中获取很多创意,下面是《跟菲利大叔学手绘——创意速写》中提取的内容,对于想要开始练习速写会有很大帮助。
1.留出空白画纸,让自己自由发挥。放空脑袋,画什么由画笔说了算。
3.画出你的感受:一幅绘画作品被赋予的个人情感越浓烈,它的艺术感染力才会越强。
——为作品创造视觉焦点,着重描绘画面中最重要的几个部分,其他通过想象填满。
5.搜集素材:搜集一些看起来并不起眼,而且不能单独成画的东西。(例如去博物馆,填满画纸)
6.自然风景:留心那些随处可见的奇特形状,发掘它们各自与众不同的地方。
7.善用多视角:360度记录你周围的一切;从不同的人物视角观察同一个地方,还可以在同一视角中拼接不同的时空片段
临摹和二次创作艺术家作品时,我们可以更好的了解他们在画面中的表现方式,情感,色彩等。也可以根据艺术大作加上自己的想象自由发挥。
4月份我们主要学习了保罗·克利、康定斯基、马蒂斯、梵高等艺术家的绘画表现形式,以后有机会再针对性学习其他的艺术大师。
以下分享的书单是在开始学习之前购买的创意相关的书籍,结合实践练习和其它平台对于创意的一些看法,一些觉得有用的点提取了出来。
这本书里讲到的构图与创意的内容特别接地气,非常实用,书中有很多创意相关的方法,也是4月份《创意绘画》用来实践的参考书籍。
书中很多速写相关的内容,特别值得关注,对于想要开始尝试速写的人会有很大的帮助和启发。
赖声川老师对于创意的解析非常深入,从他自己创作的经验中来解析整个创作形成过程。
这两本书主要是讲用不同的绘画材料和创作方式,如何提取创意灵感,对于想要尝试各种材料的人会很有帮助,特别适合儿童绘画培训机构。
如果研究的方向是板绘,帮助不大;书中有一部份是关于从艺术家的创作思路中获取创意灵感。
书中创意的部分相对比较少,但其中线条,色彩,色调,如何用插画讲故事等一些内容还是特别精彩。
背景和空间,替代现实,混合图层,空间透视,数码拼贴等88个创作技巧中,可以获得很多不同创作方法,给你更多灵感和创作的方向。
编者后记:Sheena老师为了4月份的分享,阅读完7本插画创意类书籍,观看了8小时的话剧。取其精华并整理成课件,很认真,很用心,很高效;(此处应有掌声+赞????????)
如果你看到这里也和我一样“意犹未尽”的话,可以移步至(微博:@Sheena神话)有更多关于插画的干货文章分享;
插画梦想互助队是一个类似于“乌托邦”一样的绘画世界,群内的氛围非常好,满满地正能量,看到大家每天发在群里的绘画作品,是一件非常享受的事情,和同频的小伙伴一起学习成长,分外愉悦;
2020年就这么草率的结束了,我还没来得及做一个完美的ending就开始了2021年了(呜呜呜),2020年立了很多flag,你完成了多少呢?完成的朋友们可以再接再厉勇创佳绩,没有完成的也不要气馁,继续加油????,过一天得让这一天过的有意义,从现在开始自己做一个学习计划吧,强迫改掉自己的拖延症,有拖延症的真的很可怕,因为时间久了,你会习以为常并待在舒适区无法自拔,最后会为自己的拖延症付出代价。2021年的1月,你开始做出改变了吗?都说2020年很艰难,由于疫情的缘故无论是企业还是打工人,重要的是活着了,在2021年“”艰难”会过去吗?不,还是要时刻准备着!最近看了一些国外的插画作品感觉很有灵感和启发,给大家分享一下!
相信大多做设计的朋友都知道国内的一些插画设计风格趋势,这里就不多赘述,今天主要分享的是个人觉得比较有个性化的国外插画作品,了解其作品本身的同时也要了解作品的作者,以及作者作品风格化的塑造。先抛几张图大家看下有没有很熟悉,相信做设计的朋友们都看过类似的作品,国内的好多设计小伙伴都会临摹的一种风格加上自己的一些设计表现手法和自己的插画灵感。
(其实都很有墨必斯风格的,有的插画比较赛博朋克,有点插画又带有涂鸦那味,有点还有国潮那味,总之莫比斯的风格真的是影响深远啊!七荤八素的掺在一起,哪个味重就是你的风格了)
这种插画设计风格正是大家所熟悉又陌生的墨必斯风格,之前也是偶然看到设计朋友发的图当时就有点既熟悉又陌生的感觉,后来才知道原来这种风格正是法国漫画泰斗墨必斯的画风,墨必斯在当时影响了很多艺术大师,比如大家所熟知的日本动画师及制作人、漫画家等多重身份的宫崎骏老先生,如果你是宫崎骏的影迷,一定都知道他在工作中对自己和对别人是多么的严格,非常注重细节,可以说达到苛刻偏执的地步,正因为他的认真才有现有的成就,宫崎骏曾这样说过:“在1980年我接触到墨必斯的《阿扎克》,带给我的是一种巨大的震撼,所有漫画家都被这部作品深深震撼。可惜的是我当时已经形成了自我的固定风格,所有不能运用它对我的影响来丰富我的绘画。在那时直到今天,我仍认为墨必斯的插画有一种超强的空间感,我在导演《风之谷》时就收到了他的影响。“
「墨必斯看待世界的角度令我惊讶。他的画,以最单纯的线条来描绘人物,包含了各种要素,呈现出既孤独、又高傲的空间感。我觉得这是墨必斯最大的魅力。」——宫崎骏
能让如果众多的知名漫画家给予这么高的评价就是下面这位......
墨必斯16岁时就进入法国巴黎应用美术学校学习,深受《丁丁历险记》等漫画的影响。到18岁时,他已经为杂志FarWest画漫画,墨必斯(M_bius)这个笔名是在1963年诞生的,吉罗用这个名字来创作他的科幻小说和奇幻风格的作品。
《我们都将孤独终老(WeAllEndUpAlone)》,一款正在开发中的游戏,使用的也是这种风格,这款游戏讲述的是抗击癌症和对抗噩梦的故事。这种画风有均匀的线条,没有交叉影线或阴影,以及简单的人物和细致的背景。一款2018年开始众筹的游戏《海蓝宝石(Aquamarine)》也受到墨比斯的影响,下方是《TheWorldofEdena》的画面与这款游戏的画面对比:
左边是墨比斯的《TheWorldofEdena》,右边是《Aquamarine》
随着年龄的增长,墨比斯致力于对艺术风格精益求精,减少线条数量,简化体积,并始终寻找一种更纯粹的方式来表现世界。我个人感觉跟赛博朋克的风格也有相似之处,最大的区别是赛博朋克风格颜色对比更加鲜明,具有很强的视觉冲击力。
还有一种风格给我印象非常深刻,而且在当代设计中运用的非常的新颖,是在后现代网络及平面艺术中,诞生了“孟菲斯风格“,孟菲斯(Memphisstyle),是1981年由意大利设计师EttoreSottsass为首集结组成的设计师团体,被称为“孟菲斯集团”。他们反对单调冷峻的现代主义,提倡装饰,强调手工艺方法制作的产品,并积极从波普艺术、东方艺术、非洲拉美的传统艺术中寻求灵感。孟菲斯的设计都尽力去表现各种赋予个性化的文化内涵,从天真滑稽直到怪诞、离奇等不同情趣。在色彩上常常故意打破配色规律,喜欢用一些明快、风趣、彩度高的明亮色调,特别是粉红、粉绿等艳俗色彩。“孟菲斯”的核心人物是索特萨斯,他认为设计就是设计一种生活方式因而,设计没有确定性,只有可能性,没有永恒,只有瞬间。
设计圈又陆续刮起了一阵“孟菲斯”风潮,在一群年轻设计师的推动下,提取出其经典的元素创作了许多具有“孟菲斯”风格的作品,其范围之广,跨界于平面、建筑、时装、产品等多个领域。
毫无疑问,孟菲斯这种无厘头不按常理出牌却又极具表现力的属性契合了现如今年轻人的价值观,同时也对那些固有的传统设计思维进行了重新定义。
LeeBroom为英国瓷器品牌Wedgewood设计的孟菲斯系列
艺术家CamilleWalala也是孟菲斯风格的代表人,她擅长将数码设计运用到各类产品和店面设计等各种跨界项目中去。
在CamilleWalala的作品中能感觉到十分强烈的孟菲斯风格,她的设计大多选用的是极具趣味的粉、蓝、绿灯高明度的撞色,并由点线面及几何元素穿插其中。
01、色彩明亮,饱和度高,配色大胆,这个重视视觉感受大于理性的风格,常常利用明快、风趣、彩度高的明亮色调,特别像粉红、粉绿这些颜色来打破配色规律,彰显它特有的态度。
一些用在家居的案例,打破常规,孟菲斯风格给生活增添了不一样的视觉感受
1、构图上打破横平竖直的线条,采用波形曲线,曲面和直线,平面的组合。
2、配色上多用撞色,选色明丽鲜艳,特别爱用粉红粉绿等高明度高彩度色调。
今天分享了两种国外的插画风格,你学费了吗?「哈哈」没学费没关系,记住这篇文章点赞收藏,下去多看多练,如果你也有好的想法或者看过好的作品并记住作者名字的欢迎到我的评论去留言,大家互相学习!
时尚插画作为元老级视觉传达媒介,在新时代不仅没有停止发展,更衍生出了许多风格迥异的新表达形式。当下最红、最引人瞩目的时尚插画师及其作品,你知道几个?
早期,时尚插画与时尚杂志的倾力合作促成其进入过一个全盛时期。那时的杂志从封面到内页几乎无一例外地需要使用插画做配图。那时的读者是从一幅幅精美的插画中接收时尚、艺术、品位等信息的。可以说,那时的时尚杂志与时尚插画是互相成就的关系。
到了数码时代,摄影作品已成为杂志刊物的主要视觉传播源。虽然以时尚插画为主要宣传媒介的杂志时代已终结,但时尚插画行业并未因此沉睡,而是朝着新方向不断发展、进化着。
时尚插画与时尚品牌合作,便是当下发掘出的最成功的新道路。Gucci作为时下最具话题性的品牌,经常在社交媒体里搜寻一些当红插画师进行合作。
以下这些充满色彩、富有诗意的作品都是插画师HelenDownie创作的。值得一提的是,这位极具专业水准的插画师其实是一位非科班出身的主妇,她的传奇经历与她的画作同时走红网络。再加上她的作画风格与Gucci推崇的新美学理念出奇相似,让品牌创意总监一眼就相中了她的作品并展开了一系列的深度合作。
虽然已是一位母亲,但是她天马行空的作品中总是流露出些许少女的纯真感。尤其是画作人物中那一双双天真的大眼睛,奇特又充满童趣。
然而,这并不是Gucci第一次与时尚插画师合作了。早前,此品牌还曾邀请另一位插画师AlexMerry展开过一次更“艺术式”的合作。
从纽约到伦敦、米兰到上海,凡是有艺术墙的城市几乎一夜间被Alex这些创意十足的时尚插画作品所占据。这样巨型时尚插画作品如此呈现,实属罕见,所以当艺术墙面的图片一发布,立刻就引起了网络上的一阵骚动。
除此之外,Gucci还将插画作品中的产品制作出来售卖,让所有为之心动的消费者都能找到并拥有这些产品。他们将这些梦幻般的理想产物变为了现实。另一方面,观者从这些浪漫主义风格的时尚插画作品可以看出,时尚插画的风格早已不再单一。
说起时尚插画与品牌的跨界合作,那就不得不提Prada。在2018年男装春夏系列大秀上,品牌就邀请了插画师JamesJean进行二度合作,可见他作品的受瞩目程度。
此次,JamesJean与比利时涂鸦艺术家OliverSchrauwen联手创作了秀场空间的插画作品。观秀者望着这些画面感十足的作品,就像在看一页页现场版妙趣横生的连环画。
与此同时,作者也为Prada专门制作了同样风格的插图版宣传视频。James这种酷劲十足的插画风格,与Prada未来感的时装风格相结合,显得相得益彰。
同年在Prada的女装秀上,品牌同样选择了与时尚插画师们联手。此次合作请来了八位女性插画师:StellarLeuna、TrinaRobbins、BrigidElva、JoelleJones、GiulianaMaldini、NatsumeOno、EmmaRíos和FionaStaples。
她们除了共同打造了秀场空间内的墙壁作品外,还将插画作品完美融入了新一季的时装系列。他们的漫画风格作品给时尚注入活力的同时,也增加了时尚插画作品走向风格化的可能性。
时至今日,时尚插画作品早已不再墨守成规,只要你愿意动笔,人人皆可创作出属于自己的插画作品。
除了与时尚品牌跨界合作外,还有一些职业时尚插画师坚持着进行独立创作。他们在掌握插画基本技法的同时,将时尚插画的绘画形式进行延展、探究,揣摩出了自成一派的风格。
先锋时尚插画师VelwynYossy就描绘出了一系列别具一格的作品。从他作品中人物流畅、利落的线条,与夸张却依然恰到好处的整体比例中可看出,他一直奉行着现代主义的美学理念。
而另一新星时尚插画师ErnestoArtillo则将时尚插画延展至更为抽象的方向。他独树一帜的视觉表现手法打破了大众对时尚插画表现形式的传统认知。
他近期一些超现实主义般的作品将动与静、虚与实的事物相结合,用手绘加拼贴的方式将插画的视觉冲击力无限放大,赋予了静态为主的时尚插画几分动势。
他的创意作品不仅仍然长期刊登在各大杂志上,而且还时常在世界各地展出。Erne
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